MUSIK IM RÖMERmuseum

MUSIK IM RÖMERmuseum steht für hochkarätige Konzerte in einzigartigem Ambiente. Im Rahmen der seit dem Jahre 2003 jeweils im Winter stattfindenden Konzertreihe sind junge Musiker zu Gast, die ihre künstlerische Leistung als Preisträger renommierter Wettbewerbe bereits unter Beweis gestellt haben. Die hoch ambitionierten Virtuosen machen die Konzerte zu außergewöhnlichen Musikerlebnissen. Die Begeisterung und Treue des Publikums haben MUSIK IM RÖMERmuseum zu einer kulturellen Institution gemacht. Die Konzertreihe wird finanziell gefördert und veranstaltet von der KulturStiftung Masthoff, dem Westfälischen Römermuseum sowie der Gesellschaft zur Förderung der Westfälischen Kulturarbeit.

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Dr. H.-D. Oelmann

Dr. H.-D. Oelmann

Dr. H.-D. Oelmann

29. März 2023

Trio Solaris

Mit einem großartigen Konzert beendete das Trio Solaris die 19. Konzertsaison im LWL-Römermuseum. Das erst jüngst gegründete Trio Solaris gilt schon jetzt als eines der spannendsten Ensembles seiner Art in Deutschland. Die GWK-Preisträgerin Simone Drescher am Cello und Wiederholungstäterin im Museum, der Geiger Moritz Ter-Nedden und der Pianist Amadeus Wiesensee spielten voller Leidenschaft und technisch brillant unter dem Titel „Con Passione“ Schuberts großes Trio in Es-Dur, das für Schumann das Nonplusultra romantischer Kammermusik war. Die zweite Konzerthälfte stand im Zeichen der Neuzeit mit Werken von Messiaen, Vasks und Babadschanjan. Drei Zugaben waren der Dank für den großen Applaus.

Zum letzten Konzert der diesjährigen Saison stellte Dr. Schulte als Vertreterin der GWK, die neben der Kulturstiftung Masthoff und dem Römermuseum Veranstalterin der Konzertreihe „MUSIK IM RÖMERmuseumr“ ist, die junge Cellistin und GWK-Förderpreisträgerin Simone Drescher vor, die zusammen mit dem Geiger Moritz Ter-Nedden und dem Pianisten Amadeus Wiesensee als Trio Solaris das treue Publikum begeisterten. Alle drei Künstler waren bereits zuvor solistisch und kammermusikalisch, Moritz Ter-Nedden auch als vielgefragter Konzertmeister, erfolgreich und können auf eine Vielzahl von Auszeichnungen zurückblicken. Jedoch entpuppen sich die Lebensläufe, Preise und Auszeichnungen wie so oft als blutleere Auflistungen gegen das wahre Feuerwerk an Eindrücken, die das Trio bei seinem Auftritt in Wirklichkeit hinterließ.

Der Titel des Programms „Con Passione“, also „mit Leidenschaft“, hätte kaum treffender gewählt werden können, wurden doch einige Werke durchaus der weiteren Bedeutung des Wortes „Passion“, nämlich Leiden, hier im Besonderen das Leiden Christi, gerecht. Diese Verquickung von Leidenschaftlichkeit mit dem Leiden im Sinne von Trauer und Resignation vermochten die drei perfekt aufeinander abgestimmten Musiker mit großartiger Professionalität und völlig natürlich daherkommender Musikalität gleich im ersten Stück des Abends zu vermitteln. Franz Schuberts Trio Es-Dur op. 100 nahm ob seiner respektablen Länge den ganzen ersten Abschnitt des Konzertabends ein. Als völlig gleichberechtigte Partner einander aufmerksam zuhörend und in technischer Perfektion überließen sich die drei Künstler in selten gehörter Intensität dem Charakter dieses Werkes, das 1827 komponiert, zu den letzten Kompositionen gehört, die Schubert vor seinem frühen Tod schuf. Und selten auch vermochte das oft gehörte Thema des zweitens Satzes – Andante con moto - sich so in der Erinnerung an einen Konzertabend einzugraben, wie hier vom Trio Solaris geboten. Robert Schumann als Musikkritiker charakterisierte diesen zur Zeit der Schaffung der Winterreise entstandenen Satz als „Seufzer, der sich zur Herzensangst steigern möchte“ – besser kann man die tiefe Traurigkeit und Unbehaustheit nicht beschreiben, die sich hier musikalisch ausdrückt. Auch das folgende Scherzando vermag bei aller Leichtigkeit die untergründige Melancholie nicht zu verbergen und erst recht im letzten Satz, der alle Themen der vorangegangen Sätze noch einmal aufgreift, ist die wehmütige Grundstimmung vorherrschend, auch wenn durch geschickte dynamische Wendungen diese Wehmut sich eben – leidenschaftlich - präsentiert.

Nach der Pause ging es aus der Romantik in die Neuzeit mit einem Werk des französischen Komponisten und Organisten Olivier Messiaen (1908-1992). Aus dem „Quatuor pour la fin du temps“, das er für Klarinette, Violine, Violoncello und Klavier komponiert hatte und das 1941 in einem Kriegsgefangenenlager vor ca. 400 Gefangenen uraufgeführt wurde, hatte das Trio Solaris den Satz „Louange à l´Éternité de Jésus“ – Lobpreis der Ewigkeit Jesu – gewählt, der für Cello und Klavier geschaffen wurde. Dieser Satz wie auch das ganze Stück bezieht sich auf Texte aus der Offenbarung des Johannes. Hier konnte Simone Drescher in dem durch eindringlich melodiöse Passagen geprägten Stück, mit einem einfühlsamen Klavierpartner an der Seite ihr ganzes Können zum Ausdruck bringen. Der Übergang zum folgenden Stück, einem Werk des 1946 geborenen lettischen Komponisten Peteris Vasks, erfolgte unmittelbar und mit geradezu brachialer Intensität. Das Totenglöckchen in der Klavierstimme, das man zuvor bei Messiaen glauben konnte, gehört zu haben, erklang nun mit fast rabiater Kraft. Lautstärke, Dissonanz und ausgeprägte Rhythmik prägen den Beginn von „Episodi e Canto perpetuo“, „Hommage à Olivier Messiaen“ – hier mit den Sätzen VI -VIII. Verschiedene Spieltechniken wie col legno und Glissandi kommen bei den Streichern zum Einsatz und auch die Anforderungen an den Pianisten in Bezug auf seine technischen Fähigkeiten und musikalische Ausdrucksmöglichkeiten sind höchst anspruchsvoll. Daß das Werk eine Hommage an Messiaen darstellen soll, blitzt immer wieder auf, auch in den melancholischen Geigenpartien und wenn das Werk zuletzt an Intensität zunimmt, um am Schluß im Nichts von Flageolettönen zu verschwinden.

Mit dem Klaviertrio fis-Moll des armenischen Komponisten Arno Babadschanjan (1921-1983) präsentierte das Trio Solaris ein wohl eher weniger bekanntes Stück. Das Largo espressivo des ersten Satzes gemahnt an einen Trauermarsch, gerät dann mehr und mehr in Bewegung und bot den Streichern schöne Melodien, die von beiden makellos dargeboten wurden. Manche Passagen mochten an Chatchaturian oder auch Shostakovich erinnern. Das Allegro vivace des letzten Satzes bildete mit seinem expressiven Schluß einen aufrüttelnden Gegensatz zu den zuvor noch einmal sanfter gestalteten Passagen. Der tosende Beifall für die drei Musiker wurde belohnt mit insgesamt drei Zugaben, dem 5. und 6. Satz des Dumky-Trios von Antonin Dvořák sowie einem Notturno von Ernest Bloch, die noch einmal die ganze Bandbreite des Könnens dieses jungen Trios zeigten. Insgesamt zählte dieser beglückende Konzertabend zu jenen außergewöhnlichen Musikereignissen, die unter den vielen guten dann doch noch einmal ganz besonders herausragen.

Pavel Efremov - Sihoo Kim 2022

01. März 2023

Pavel Efremov

Am 1. März 2023 lud der junge moldawische Künstler Pavel Efremov in die vielfältige und faszinierende, zugleich filigrane und orchestrale Welt des weithin noch immer unbekannten klassischen Akkordeons ein. Er präsentierte sich hochvirtuos, topmusikalisch sowie charismatisch und dabei äußerst sympathisch und charmant.

Zwar ist das treue Publikum der Konzerte im Römermuseum durchaus damit vertraut, Soloabende zu genießen, daß dabei aber ein Akkordeonist im Mittelpunkt steht, ist eher selten. Um so gespannter durfte man auf das mit dem Titel „Farben“ versehene Programm des jungen, mehrfach mit Preisen und Stipendien ausgezeichneten moldawischen Künstlers Pavel Efremov sein.

In seiner kurzen, aber informativen Beschreibung seines Programms zeigte er auf, was das Verbindende in den Werken der ersten Hälfte sei – nämlich, daß es sich jeweils um ein Opus Nr. 1 der jeweiligen Komponisten handele – die Partita Nr. 2 BWV 826, ursprünglich für Cembalo geschrieben und als Übungsstück gedacht, stellte das erste von Johann Sebastian Bach veröffentlichte Werk dar (und nur solche zählten als „Opus“). Das nächste Werk „Revelation“, also „Offenbarung“, von Sergey Voytenko (*1973) sei sein erstes und einziges Werk gewesen und Veaceslav Semionovs (*1946) Serenade für Akkordeon Nr. 1 eben die erste in einer Reihe von Kompositionen für Akkordeon.

Wer bereit war, sich diesem wirklich farbigen Reigen aus verschiedenen Tanzsätzen hinzugeben, erlebte eine von großer Musikalität getragene Vorstellung, mit fein herausgearbeiteter Dynamik, beindruckender Virtuosität in den schnellen Sätzen und einen Künstler, der geradezu mit seinem Instrument zu atmen schien. Das folgende Werk „Revelation“ schloß sich organisch an – beginnend mit an Piazzolla erinnernden, melancholischen Melodiebögen, mitunter in sehr freier Rhythmik vorgetragen und immer wieder abgelöst von lauter, aber nicht schneller werdenden Passagen und versehen mit einem überraschenden Ende.

Stellte die Bach-Partita gewissermaßen eine Art Fundament dar, so schwang sich die dreisätzige Sonate von Semionov in die unberechenbareren Abgründe neuerer Musik hinab – oder hinauf - je nach Sichtweise. Jedenfalls waren hier die Tänze und Lieder der Vorgängerstücke abgelöst von Tongemälden, die zu vielseitigen Assoziationen anzuregen vermochten – so z.B. der überaus kraftvolle Beginn des erstens Satzes - Largo andantino - der dann in einen gehetzt wirkenden, aggressiven Abschnitt überging, unterbrochen von einem zögernden lyrischen Motiv, das immer wieder von einem abgehackten Einwurf der linken Hand gestört wurde und so etwas Geheimnisvolles, Bedrohliches vermittelte. Ganz im Gegensatz dazu entstand im zweiten Satz - Andante sostenuto – ein liedhaft-hymnischer Eindruck, ein Bild pastoraler Idylle. Pavel Efremov bewies hier seinen perfekten Umgang mit der Dynamik; die kraftvollen, choralartigen Passagen erfüllten orgelhaft den Raum, während die sehr zarten und pianissimo präsentierten Abschnitte zu genauem Hinhören zwangen. Der dritte Satz – Presto ritmico – schloß sich nicht nur unmittelbar – attacca – an den zweiten an, er vermittelte auch lautmalerisch die Vorstellung angreifender Reiterhorden. Nicht nur hier bot der Künstler, neben seiner frappierenden Virtuosität einen auch optisch fesselnden Eindruck. Nach einem ruhigeren Mittelteil kehrte dieser Satz zur Hektik des Beginns zurück, um dann völlig unerwartet und abrupt zu enden.

Das Verbindende der Werke des zweiten Abschnittes des Programms sei ihr Bezug zur Musikgattung des Lieds, erklärte Pavel Efremov, im Falle des ersten Stückes nämlich eines überaus populären Liedes, das sich unter dem Titel „Zwölf Variationen über „Ah vous dirais-je, Maman“ KV. 265 von Wolfgang Amadeus Mozart verbirgt. Es lud nicht nur zum Mitsingen ein, sondern der überquellende Ideenreichtum schuf hier eine Verbindung zum Beginn: Ein kluger Komponist hat einmal gesagt, er glaube zwar nicht an Gott, aber an Bach und mag in Bach das Göttliche in einer ernsteren Form zum Ausdruck kommen, so muß bei Mozart ein kindlich.spielender Gott gewirkt haben.

Nach diesen Variationen, die, wie vieles bei Mozart so einfach scheinen, dem Künstler aber ein Höchstmaß an Können, Konzentration und Professionalität abverlangen, erklangen fünf Kompositionen aus den „Lyrischen Stücken“ von Edvard Grieg (1843-1907), der diese Sammlung von insgesamt 66 Klavierstücken in zehn Bänden über den Zeitraum von 38 Jahren schuf, was die auseinanderliegenden Opuszahlen erklärt. So entstammt das liedhaft einfache, dabei aber geheimnisvolle „Wächterlied“ dem op. 12 ebenso wie das schmetterlingsleicht dahingetupfte „Elfenlied“. „Heimat“, ein wenig an irische Volksmusik erinnernd, ist im op. 43 zu finden, „Im Balladenton“ entstammt dem op. 65 und schien tatsächlich in seiner zu Herzen gehenden volksliedhaften Einfachheit eine ganze (traurige) Geschichte zu erzählen. In absolutem Gegensatz dazu kam der „Kobold“ in aberwitzigem Tempo daher, bot überraschende Wendungen und verlangte dem Künstler ein Höchstmaß an Schnelligkeit der Finger und Koordination ab. Und eine wiederum neue Farbe auf der Palette präsentierte Pavel Efremov mit zwei Werken von Astor Piazzolla (1921-1992), die anders als eine Vielzahl seiner Kompositionen eben nicht für das Bandoneon komponiert wurden, sondern für Stimme und Begleitung mit, wie der Künstler ausführte, lesenswerten Texten. Und während das bekannte „Chiquilin de Bachin“ einen eher wehmütigen Charakter aufweist, wirkte das „La Bicliceta Blanca“ mit fröhlich-tänzerischem Duktus, dem natürlich zwischendurch die Melancholie nicht fehlen durfte, dann doch wie eine Aufforderung zum Tanz. Für den tosenden Beifall aus dem wohlgefüllten Römermuseum bedankte sich der so sympathische und liebenswürdig-bescheiden auftretende Künstler mit einer Reminiszenz an den nun hoffentlich bald überwundenen Winter: mit dem „Winter“ aus Vivaldis „Vier Jahreszeiten“, und, nachdem der Beifall immer noch nicht enden wollte, mit einer zweiten Zugabe von Domenico Scarlatti.

Dr. H.-D. Oelmann

Dr. H.-D. Oelmann

Dr. H.-D. Oelmann

Dr. H.-D. Oelmann

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01. Februar 2023

Jerusalem Duo

Unter dem Titel „Rainbow“ machte das Jerusalem Duo Musik, die so farbig ist wie der Regenbogen, die so berührt und lächeln macht wie er. In seinem sehr persönlichen Sound, sensibel, differenziert, hochdynamisch und im Spirit des Klezmer spielte das ungewöhnlich besetzte, vielfach ausgezeichnete Duo ein originelles und unterhaltsames Programm mit seinen Favoriten aus den musikalischen Welten, in denen es aufwuchs: Klassik, Pop und Klezmer.

Mit einjähriger Verspätung konnte das Jerusalem Duo in der selten zu hörenden Besetzung Harfe-Saxophon das Publikum im Römermuseum mit einem wahrhaft schillernden Regenbogen aus verschiedenartigsten Stücken erfreuen.

„Rainbow“ war der Titel des bunten Programms, dessen Besonderheit nicht zuletzt auch darin bestand, daß bis auf ein Werk alle Stücke eigene Bearbeitungen der Künstler für ihre Instrumente darstellten. Hila Ofek, Harfe, und der Saxophonist Andre Tsirlin, beide hochdekorierte Preisträger verschiedener Musikwettbewerbe, sind nicht nur ein auf höchstem Niveau musizierendes Duo, sondern auch privat ein (Ehe)paar, was die stupende Feinfühligkeit im Zusammenspiel vielleicht zusätzlich beflügelt.

Die beiden begannen ihr Konzert mit dem Stück „Sof-Sof“ von Cornelius Buser, was, wie Andre Tsirlin in seinen temperamentvollen, zu Herzen gehenden Erläuterungen ausführte, übersetzt bedeutet: „Endlich“ und er bezog sich auf die Dramatik der Coronazeit mit ihren Konzertabsagen und Verschiebungen und die Freude, nun ENDLICH auch in Haltern spielen zu können. Das, was Andre Tsirlin dazu bewegt, das Bild des Regenbogens der gängigeren Beschreibung als „Cross-over“ vorzuziehen, war schon hier gut zu hören: dem melancholischen Beginn mit Klezmer-Anklängen des Saxophons stand eine quicklebendige Harfe zur Seite, das Melancholische wandelte sich zum Tänzerischen derart, daß es den Zuhörern in den Füßen zucken mußte. Dann ein großer Sprung zurück in barocke Zeiten – „La Folia“ – im Programm als Komposition Vivaldis geführt, eine von unzähligen Komponisten, u.a. von Corelli et al. gestaltetes Variationswerk, das den Ausführenden in jedem Falle die Möglichkeit bietet, alle Facetten technischen Könnens und müheloser Virtuosität zu präsentieren, was die beiden Künstler auch mit sicht- und hörbarer Spielfreude taten. Ganz überganslos ging es weiter mit „Sholem-alekhem“ von Béla Kovács, einem gewiß dem Klezmer-Klang zuzuordnenden Stück, das in seiner nur zu Beginn ein wenig wehmütig tingierten Stimmung Fröhlichkeit und Lebenslust ausstrahlte. Mit dem Beatles-Song „Something“ erschien eine weitere Regenbogenfarbe und was unter „Cross-over“ alles möglich sei, könne man im folgenden, überaus populären Stück „Over the Rainbow“ von Harold Arlen hören, erklärte Andre Tsirlin. In der Tat erklang zunächst in der Harfe das wohlbekannte C-Dur-Präludium von Bach, in das die Saxophonstimme das Gounod´sche Ave-Marie hineinflocht, um dann zur eigentlichen Musical-Melodie überzugehen, in der auch die Harfe sich mit teils gar ein wenig rockig-fetzigen Passagen hervortun konnte, um in einem geradezu klassischen, kadenzartigen Schluß zu enden. Das sehr erfrischend lebendige Traditional „Shiri Freilach“ bildete den Übergang zum folgenden Werk „Nigunim“ von David Zehavi. Mit bewegenden Worten führte Andre Tsirlin aus, daß es sich gewissermaßen um ein Gebet ohne Worte handele. Die Klänge der einfachen, fast archaischen Melodie erhielten durch die zurückhaltende Begleitung in der Harfe noch einmal besonderes Gewicht und es fiel nicht schwer, sich dem erbetenen kurzen stillen Innehalten vor dem Applaus hinzugeben. Mit einem Werk des russischen Komponisten Rachmaninoff, dessen Titel „Zdes Khorosho“ übersetzt bedeutet, „Hier ist es gut“, fand die erste Hälfte des Programms einen kurzen und melodiösen Schluß.

Die zweite Hälfte begann mit den allbekannten „Rumänischen Volkstänzen“ von Béla Bartók, einem Werk basierend auf rumänischer Volksmusik, das der Komponist ursprünglich für Klavier schuf, dann selbst für kleine Besetzung orchestrierte und das neben der wohl bekanntesten Version für Violine und Klavier für zahlreiche Besetzungen eingerichtet wurde. Die so unterschiedlichen Tänze, die vom munteren Stocktanz über sanftere Wiegenliedstimmung zum rasanten Schluß führen, boten dem Duo die vielfältigsten Möglichkeiten, ihre Musikalität und ihr technisches Können zum Ausdruck zu bringen, dabei verblüffte insbesondere die erstaunliche Bandbreite der Klangfarben, die die fantastische Hila Ofek ihrer Harfe entlockte. Dieses – ein im übrigen nicht nur wunderbar anzuhörendes, sondern auch anzuschauendes Instrument - war dann Mittelpunkt einiger quasi instrumentenkundlicher Frage- und Antwortspiele, z.B. bezüglich der Anzahl der Saiten (47) oder der Pedale (7) sowie der zuvor schon aufgezeigten Unterschiede zwischen den verschiedenen Saxophonen – vom kleinen geraden Sopran, über Alt- und Tenorsaxophon bis zum Baritonsaxophon, das, so erläuterte Tsirlin, ausgerollt von der Bühne bis zu Eingangstür reichen würde.

Das nächste Stück, „Toccata“, von Susann McDonald, präsentierte Hila Ofek, von ihrem Mann als die beste Harfenistin der Welt gelobt, solistisch, beginnend und endend mit ausdrucksstarken Arpeggien und einem einfühlsam gespielten melodiösen Mittelteil. Das Werk „Ancient Echoes of Psalms“ des zeitgenössischen Komponisten Amit Weiner verkörperte das einzige Stück des Abends, das nicht nur für diese Besetzung, sondern explizit für das Jerusalem Duo geschrieben worden ist. Andre Tsirlin bestückte sich mit einer Fußschelle und Hila Ofek nutzte den Harfenkorpus als Perkussionsinstrument, was dem Werk eine ganz besondere Färbung gab. Neben Jazzanklängen und mediterran klingenden Passagen war auch ein sehr poetisch leiser Abschnitt für Harfe solo zu hören, bis das Stück mit einem überaus temperamentvollen Schluß endete. Das vorletzte Werk von Pedro Iturralde, einem spanischen Saxophonisten und Komponisten, ursprünglich für Klavier und Saxophon geschrieben, „Pequeña Czarda“, was soviel heißt wie „Kleiner Tanz“, tat seinem Namen alle Ehre und präsentierte sich überaus lebendig mit vielfältigen Ausdrucksmöglichkeiten für das fantastische Zusammenspiel wie auch die erforderliche Virtuosität in den schnellen Passagen. Das Schlußstück, eine Verknüpfung des Tangos „El Choclo“, der im Programm Astor Piazolla zugeschrieben war, aber vom Argentinier Ángel Villoldo zu Beginn des vorigen Jahrhunderts komponiert wurde und später in verschiedensten Versionen und mit unterschiedlichsten Texten auftauchte, mit einem Klezmer-Stück über eine „Goldene Hochzeit“ – einschließlich der musikalischen Beschreibung der Festteilnehmer in alkoholisiertem Zustand - vermochte noch einmal die Zuhörer so recht mitzureißen. Mit dem nun wirklich von Piazolla stammenden „Libertango“ und einem kleinen ruhigerem Werk entließen die überaus sympathischen Künstler am Ende ein wohl ganz und gar beglücktes Publikum, das dem mit dem Dank an die Veranstalter vorgetragenen Wunsch des Duos, bald einmal wiederkommen zu dürfen, sicher aus vollstem Herzen zustimmen mochte.

Die bisherigen Konzerte